Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Notre Dame es una iglesia de culto católico con sede en París Francia. Su construcción inicio en el año de 1163 y termino en el año 1345.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): La catedral de Notre Dame es de estilo gótico, se edificó junto a otros solares como el templo romano dedicado a Júpiter, es uno de los edificios más representativos de la arquitectura gótica francesa. No tuvo problemas de dinero para poderla construir, su fachada occidental estaría lista alrededor del año 1200, y la otra mitad de las torres estarían listas a finales del siglo XIII pero su construcción seguiría avanzando hasta el siglo XIV. Es un templo de plata de cruz latina, posee un gran cuerpo de iglesia con cinco naves y capillas laterales. La nave transversal resalta poco en planta. La girola o la parte por donde transitan los devotos están situada en la capilla mayor. El alzado presenta algunas características, en el primer nivel hay arcos apuntalados sobre enormes columnas, en el segundo nivel la tribuna que a su vez está conectada con la nave central mediante tres vanos apuntalados envueltos en cada tramo, en el tercer nivel están los ventanales con vacío apuntalado y vacío circular. Posee arbotantes exteriores que apuntalan las paredes de la nave central, esto brinda a la catedral una estética de sustentación. Recordemos que esta iglesia también es muy conocida por las gárgolas que posee, en tema de escultura son varios artistas los que las realizaban, posee muchas esculturas en tres de sus puertas están son la puerta del juicio final. La puerta de santa Ana y la puerta de la Virgen.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): como es una iglesia de carácter religioso muchas de sus fachadas están representadas con escenas relacionadas con la religión católica, como en la puerta del día del juicio si analizamos al cristo se lo pueden identificar algunos elementos del cristo gótico un cristo humanizado mostrando las dos manos con las perforaciones de los clavos, a los ángeles con la cruz y a sanjuán. Muchas esculturas representan también a obispos pero hasta la fecha solo puede especular a quienes los representaban muchos dicen que corresponde a inicios de la dinastía de los francos. En la puerta del día del juicio nos revela lo que esta religión nos dice que va pasar al final de los tiempos, representando a personas que van a ser condenadas y las que van a pasar al cielo, también representan los vicios y las virtudes, los calendarios, los signos del zodiaco, pero en la mayoría se representan cosas relacionadas con lo profano.

Análisis crítico personal: Que la religión ha llevado al hombre a construir cosas increíbles que marcaron nuestra ideología hasta el tiempo actual, se puede ver claramente el propósito de este tipo de construcción la de impartir la enseñanza católica por medio del uso de imágenes y para tener a la gente sumisa en la religión y de que debían a dorar a dios las escenas de cosas profanas, gárgolas, demonios. Tristemente la religión así aunque la manera en la que se construyó y el sinnúmero de detalles que posee esta construcción la hacen sin lugar a duda una de las más impresionantes obras arquitectónicas del momento.

COLONIA SIENA:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Se la realizo en la Plaza de la Catedral, Plaza Jacopo della Quercia, Siena Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): pertenece al estilo gótico italiano, posee planta de cruz latina con crucero, campanario y cúpula, en arquitectura cruz latina significa que está formado por dos segmentos de diferentes medidas en un ángulo recto, en donde el segmento más corto esa en una proporción de 3 a 4 con respecto al más largo, el brazo mayor se alinea con el pórtico principal la intersección que forma el brazo mayor y el menor se conoce como crucero, y estas forman a su vez cúpulas o bóvedas. Las naves de esta basílica están dividías en arcos de medio punto, y este punto es el más importante que los colores que posee son el negro y el blanco colores simbólicos de siena más adelante se dirá el significado de estos colores. Posee una cúpula octogonal tornándose en forma circular por las columnas de apoyo. La fachada principal está formada por un diseño geométrico con figuras triangulares inscritas con cuadros, inscrito significa que es un polígono que se halla dentro de otra figura. También en la fachada principal posee arquivoltas y óculos. El uso de figuras vs el uso le da verticalidad en el estilo gótico francés. El frontón principal posee una forma triangular en la cual se puede presenciar una escena la de la coronación de la virgen, rodeada de un coro de ángeles. En el interior de la catedral hay una columna central se apoya en un conjunta de estatuillas pequeñas que representan a la siete artes y filosofía. Otras columnas se apoyan sobre leones que tienen sus cachorros. Ventanas muy grandes que permiten el ingreso de la luz natural, vitrales de muchos colores rosetones. Posee un pulpito que es maraca clave en la escultura gótica tardía.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): nos trata de decir que la arquitectura gótica italiana tiene su marca que le hace diferente a la arquitectura gótica francesa en el uso de figuras geométricas. Lo que nos trata de decir es impartir la religión católica. El uso de imágenes mediante la escultura de alto y bajo relieve al igual que el uso de las jerarquías en la pintura. Los colores blanco y negra representan a la simbólicamente a siena pero porque son los colores de los caballos blanco y negro de los fundadores de la ciudad. Las personas eran en su mayoría ignorantes por lo que el uso de imágenes muy fuertes debía ser de gran ayuda para que puedan entender lo que es dios y la religión. En este caso más se resaltaba a la virgen amaría ya que hay un gran vitral en donde la coronan.

Análisis crítico personal: a pesar de que en este periodo también se lo conoce como el de la obscuridad, pudieron también existir personas con un gran conocimiento en la construcción para representar a lo que llamamos arte, aunque claro en ese entonces contaban con la ayuda de personas dedicadas especialmente al diseño y elaborado de pinturas y esculturas. Todo ese conocimiento hasta la actualidad se usa, en especial con la colonización de los españoles a los pueblos de américa ya que fueron muchas culturas las que adoptaron este estilo de construcciones religiosas para impartir sus creencias, lastimosamente creencias que a la primera nos inspiren temor y sumisión a un dios que posiblemente no exista, al fin y acabo la religión siempre ha sido y será una potencia económica sumamente fuerte, al igual que el conocimiento eran pocos los que podían adquirirlo.

NICOLA PISANNO

Reseña bibliográfica:

Su fecha de nacimiento y sus orígenes no son claros y por ende incierto, nació en Apulia, hijo de Petrus de Apulia, según consta en los archivos de la catedral de Siena, en el año de 1245 se trasladó a Toscana para trabajar en el castillo de Prato. Probablemente se inscribió en los talleres locales emperador Federico II y allí aprendería a dar representación con más movimiento mezclando las tradiciones cristiana y clásica. Las únicas obras de su primer periodo que han sobrevivido son dos cabezas de niño con un tenue efecto de claroscuro.

Luego se trasladó a Lucca, donde trabajó la fachada de la catedral de San Martín, sobre todo en el relieve Descenso de la Cruz (en el tímpano norte) y en los del dintel sobre la Natividad y la Adoración de los Reyes Magos.

Nicola Pisano fue un famoso escultor italiano considerado uno de los últimos representantes de la escultura gótica y a la vez uno de los representantes que inicio en la era del renacimiento. Su obra del púlpito del baptisterio de Pisa puede considerarse como algo increíble, también realizo el púlpito de la catedral de Siena, esta obra fue realizada con ayuda de su hijo Giovanni Pisano. Estas obras tenían un diseño donde sintetizaba la composición y la estética, él tuvo ese apellido su apellido en honor a la ciudad de Pisa al igual que su hijo. El púlpito del baptisterio de Pisa fue la obra que le dio fama y por ende dio a conocer a este gran escultor, tiene una forma hexagonal aumentando la cantidad de relieves. También es el autor del Arca de Santo Domingo, Fontana Maggiore de Perugia, Cabeza de muchacha joven (wikipedia, 2014).

1.- ARCA DE SANTO DOMINGO

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: La realizo en la basílica de Santo Domingo de Bolonia, que está ubicada en Piazza Doménico en Bologna Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es un sarcófago que está dentro de la basílica de San Doménico, tiene esculturas, pequeñas estatuillas que adornan el sarcófago, dicen que en la obra también fue hecha con la contribución de un joven Miguel Ángel. El sarcófago guardaba los restos del santo Domingo Guzmán. Da una forma natural y expresiva en cada detalle del sarcófago. Utiliza nuevos cánones y proporciones de figuras inspiradas en los relieves clásicos. La inspiración la recibe del mundo clásico, utiliza elementos narrativos y a la vez expresivos que acentúan el detalle de sus esculturas. Tiene cuatro estatuas la de san francisco, la de santo Guzmán, San Floriano, San VitalE y en cristo muerto que esta adorado por ángeles recibiendo la corona por dios padre. Esta echa de mármol.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la obra quiere expresar el sentimiento de fe católica, respeto al santo Guzmán, inspirar un gran respeto por esta figura. Transmitir emoción y realismo en sus esculturas, respeto por el difunto que esta contenido, demostrarlo con su arte habilidad. Demostrar que él tenía la capacidad de diseñar y construirlo, demostrar que pudo realizar el reto que se había trazado.

Análisis crítico personal: a pesar de que él había diseñado todo y había iniciado en su construcción no puedo terminarla ya que había muerto pero fueron otros artistas la que finalmente la terminarían, fue un gran escultor y arquitecto y es su conocimiento y habilidad los que quedan plasmados e inmortalizados en cada una de sus obras. Que está sumamente detallado cada figura eso es lo que hace su marca personal, la combinación de escultura de bajo relieve en mármol con los nuevos cánones de proporción humana.

2.- FONTE MAGGIORE

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: fue realizada en Piazza el 4 de Noviembre, Perugia, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está constituida en la superposición de pilas de forma poligonal rematada en una taza circular, esta echa de mármol y bronce, la base poligonal sobre la que se acentúa es de 25 lados , consta de tres niveles, en el primer nivel de 25 lados con relieves de dos pares a cada lado, en el segundo están las columnas que tiene una base de 12 caras con salidas de agua elaboradas de bronce en los ángulos de estas están colocadas 24 figuras y en el tercer nivel se encuentra el vaso de bronce que esta sobrepuesta sobre una columna muy alta. Hay animales también representados de la época medieval, también representaciones de la biblia, estaciones y lugares que expresan naturalidad y libertad.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): La libertad que debían tener las personas al trabajar como símbolo de igualdad.

Análisis crítico personal: es una obra que consta de muchas figuras además del simbolismo que la gente los hacia suyos en especial con las revoluciones que se daban en ese entonces la adoptaron como símbolo de la libertad.

3.- PÚLPITO DEL BAPTISTERIO DE LA CATEDRAL DE PISA

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Se realizó en la Plaza del Duomo de Pisa en Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es un baptisterio, los baptisterios son grandes basílicas donde se profesa una religión, está dedicada a san juan Batista, se inspiró en pulpitos que se realizaban en el sur de Italia, pero en este pulpito añade diseños de relieves clásicos. Se evidencia una arquitectura escultórica, la estructura es hexagonal que es un símbolo de la muerte de Cristo que está situada junto a una pila bautismal. Posee una cúpula troncocónica que significa que e una cúpula creada a partir de un trapecio rectangular cuyos lados son perpendiculares a la base. La técnica de construcción de las cúpulas son poligonales cosa que era desconocida en esa época, es de estilo gótico con cúpulas en forma semiesférica y con galerías, debido al bajo presupuesto de la obra en la parte de la cúpula oriental hay placas de plomo mientras que en el lado occidental está cubierta de tejas. Hay una pequeña cúpula que está cerrada por una mayor, coronada por la estatua de san juan bautista, este diseño no contaba con desagües por lo que los bautizos se realizaban solamente en forma simbólica. El pulpito contiene escenas de la vida de cristo en cinco paneles con esculturas de alto relieve alrededor de un perímetro octogonal. Los relieves están hechos de forma armoniosa separados con columnas clásicas, las narraciones que están inscritas tratan sobre los evangelios, utilizo técnicas de policromado utilizo colores claros oscuros para dar tonalidad. Posee volumen, realismo tan detallado en los ropajes en los cabellos, espacio y ambiente todo bien detallado formando en conjunto una narración, adaptó al cristianismo el estilo de relieves greco romano.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representar escenas del evangelio, representar las creencias de una religión utilizando su conocimiento, narrado mediante esculturas. La temática principal que trata de describir es sobre el día del juicio final y sobre la salvación, creencias bien marcadas hasta el día de hoy.

Análisis crítico personal: las técnicas que empleo del alto relieve, utilizar esculturas muy bien proporcionadas y detallas en volumen, cortes, tonalidad para que las personas puedan captar más rápido es muy buena ya que esa era la manera de llegar a la gente que no tenía conocimiento ni cultura. Además de que trabajo con su hijo que también aprendería todo de su padre, por algo los dos son reconocidos arquitectos esculturas hasta la fecha. Me interesó mucho el diseño del pulpito y lo bien distribuidas que están las escenas del evangelio. Además es un estilo que lo adapto a l cristianismo un estilo greco romano. Es interesante como la religión que fue perseguida seria la matriarca de grandes artistas como Nicola Pisano.

GIOVANNI PISSANO

Reseña bibliográfica: Hijo de Nicola Pissanno, fue un escultor italiano, pintor y arquitecto. Toda su formación la adquirió con su padre trabajando en su taller. Trabajo con su padre en el púlpito de siena en los años de 1265/1268, se dice que es difícil distinguir quien fue el que realizo la escultura pero Giovanni tenía un estilo diferente y este era que las realizaba de manera más viva y familiar como en el caso de la virgen María y el niño una relación de madre e hijo. Llego a independizarse de su padre convirtiéndolo en un gran escultor renacentista. Destaca en el uso de relieves de estilo ática. Su obras fueron las siguientes la de Pisa, esculpiendo estatuas en los dos filas de gabletes con tracerías en el exterior del baptisterio.

1.- MADONNA CON EL NIÑO:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: esta obra fue realizada en Padua, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): las dos figuras es decir la virgen y el niño dios se miran cara a cara denotando sentimiento de maternidad y afecto cosa que en los estilos clásicos no se expresaba, en un sentimiento íntimo, en esta figura se ve que la virgen sustenta al niño contra su cadera convirtiendo a esta figura en un contraposto, recordemos que contraposto es la oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana lo que da esa sensación de movimiento y a la vez rompiendo con la frontalidad. También se puede apreciar las ropas que llevan puestas es clara y detallada.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): La relación que existe entre madre e hijo a pesar de que el hijo es considerado una divinidad, además de que ara la época se lo representaba con la ley de jerarquía y frontalidad, denotar sentimiento maternal. Mostrar al niño dios como un ser con sentimientos afectuosos a su madre y su madre hacia él.

Análisis crítico personal: que la manera de representar al niño dios con sentimientos humanos es clave para la religión ya que de esta manera la gente puede aceptar sus creencias de una forma más fácil y sin necesidad de recurrir mucho a escenas miedosas y perturbadoras. La manera en que María expresa amor materno el contacto cara a cara envuelve al espectador en esa atmosfera amorosa. La forma en que las esculturas pasan a denotar movilidad y rompen con la ley de la frontalidad es muy interesante ya que se rompen viejas tradiciones y técnicas de elaboración en esculturas.

2.- PÚLPITO DE LA CATEDRAL DE PISA:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Se realizó en la Plaza del Duomo de Pisa en Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): como dijimos anteriormente en el caso de Nicola pisano usaron elementos como el contratare, imágenes de alto y bajo relieve al igual que uso de contrastes claros y oscuros. Jerarquías pero en este punto quiero mencionar las esculturas más representativas que fueron elaboradas por Giovanni además de que tenían detalles que las hacían diferentes a las de su padre y estas son: Hércules lo realiza de manera muy espiritual, esta figura es considerada como una figura pagana decorando un pulpito cristiano. Esto da a denotar lo que es el arte renacentista lo que lo diferenciaba de su padre, la fortaleza y la prudencia aquí se denota también el carácter innovador de Giovanni ya que por un lado muestra la ciudad de pisa que amamanta a dos niños a sus pechos como señal de la claridad y lo ubica en una base que representa las cuatro virtudes clásicas estas son la justicia, la templanza, la fortaleza y la prudencia, la prudencia esta inspirada en las Venus clásicas, también usa la superposición de cuerpos desnudos en bajorrelieve.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): que podía fusionar imágenes paganas con cristianas dando pasó a lo que vendría después a su estilo. Mediante la superposición de cuerpos desnudos en bajorrelieve como en la escena del juicio final transmitir el miedo de las almas condenas al infierno transmitir este sentimiento a las personas que las observaban y que puedan hacer todo lo que la palabra de dios dice.

Análisis crítico personal: que el uso de nuevos métodos en cualquier campo que laboremos va ser nuestro marco personal e inclusive puedan motivar a otras personas para que así nazca un estilo nuevo general para l sociedad. Las personas muchas veces ignoramos lo que no queremos ver, si su padre hubiera querido romper los esquemas más antes quizás hubiera echo lo que su hijo ya había hecho, romper los esquemas de lo clásico y fusionar cosas nuevas.

3.- PÚLPITO DE LA IGLESIA DE SAN ANDRÉS:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: esta obra se la realizo en Pistoia, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): se le encargo el diseño del pulpito de la iglesia de carácter románico, este pulpito tiene un diseño hexagonal de dimensiones pequeñas, el estilo que tiene es meramente gótico, en los arcos y en las decoraciones, es decir arcos apuntalados, trilobulado, a cortinado. Las figuras muestran la evolución hacia lo clásico esto hace que se vea permanente para las personas que se encuentren apreciándolo. Posee figuras ligeramente curvadas hacia el espectador, esta técnica consistía en que las figuras también puedan ser apreciadas desde la parte baja, también se usaron técnicas como la de cincel elaboradas de manera rápida, precisa y profunda. Las figuras denotan mucha expresión, esto es lo que el justamente buscaba. La parte de mayor profundidad del relieve sirve para poder relacionar a la luz y a las sombras algo así como si estuvieran jugando. Los cinco relieves principales son los siguientes: anunciación, natividad, anuncio de los pastores, la adoración, el sueño de los magos y el sueño de José.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la obra como todos los pulpitos de la época denotar la creencia en la religión en este caso escenas como la crucifixión la del juicio final que son las temáticas que hacen que esta religión tenga su sello, demostrarles a los creyentes de manera real en donde pueden terminar si llevan una mal vida o si desobedecen la palabra de dios.

Análisis crítico personal: que es interesante que a pesar que aprendió de su padre todo sobre escultura no lo haya imitado ni copiado al contrario buscó hacer la diferencia y por esto justamente se convirtió en uno de los maestros del renacimiento. El conocimiento que ha sido poco en ese periodo hayan sido transmitidos de generación y generación en este caso la arquitectura, escultura, siempre habrá personas que sean elegidas para hacer de una creencia una manifestación de conocimientos y aplicaciones que nos lleven a nuevos horizontes. Las generaciones que siguen siempre deben superar a las pasadas.

JAN VAN EYCK

Reseña bibliográfica: Nació en Maaseyck, actual Bélgica fue un pintor de estilo flamenco, uno de los pintores más sobresalientes entre otros pintores primitivos de la misma categoría flamenco, hasta la fecha se le sigue considerando como uno de los grandes maestros de la pintura. Fue el inventor de la técnica pictórica del óleo pero en la actualidad se piensa más que la llevó a un nivel mucho más alto intentado alcanzar la perfección, desconocidos antes de él. Trabajaba los colores al óleo pacientemente, a veces con la yema de los dedos, hasta plasmar los reflejos luminosos de los objetos y el aspecto cambiante de la luz, pertenecía a una familia de pintores, sus primeras transiciones se dieron en el mundo de la miniatura, en la época dominada por la tradición tarda gótica francesa el periodo gótico tardío es el periodo final del arte agotico.

1.- EL HOMBRE DEL TURBANTE

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Inglaterra, Amberes entre 1642-1644.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es un hombre desconocido que posee un gran chaperón rojo sobre su cabeza. Es una pintura que se la realiza al óleo, sus lados verticales estos construidos de madera al igual que en la pared central en donde yace una inscripción con el nombre del autor y la fecha que se la elaboro. Este retrato está representado con las líneas estéticas físicas exactas, este cuadro el modele en cuestión no muestra ningún estado de ánimo, la cabeza es un poco más grande con relación al torso. Utilizo el óleo debido a que su color permitía destacar la viveza y brillo.

Campbell describe la pintura del ojo izquierdo de la siguiente manera: "El blanco del ojo ha sido pintado en un tono blanco mezclado con pequeñas cantidades de rojo y azul. Una delgada esfumino de rojo aparece en la capa inferior, que sin embargo, queda expuesta en cuatro puntos para crear brillos secundarios. Las venas están pintadas en color bermellón en el esfumino mojado. El iris es ultra-marino, bastante puro en su circunferencia, pero mezclado con blanco y negro hacia la pupila” (PINTURA GÓTICA FLAMENCA: JAN VAN EYCK, 2011).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): en los escritos de la pintura hay una leyenda de Van Eck que dice “hago lo que puedo” (wikipedia, wikipedia, 2014). Lo que significa que trataba de demostrar que era bueno en lo que hacia la interpretación del hombre sin gestos ni emociones para transmitir la seriedad de su arte. Resalto mucho más al chaperón d un color vivo característico de su estilo denotar algo que cubre un rostro bien estilizado jugando con las jerarquías de los elementos que componen la pintura.

Análisis crítico personal: en esta obra se puede ver la calidad de colores en óleo que mezclo para obtener las diferentes tonalidades en la piel y en la ropa. Es interesante como cada maestro flamenco tiene su propio estilo para poder expresar su arte. Como dice la leyenda hago lo que puedo nos da a conocer que uno emplea todo su conocimiento y siempre va estar en contante estudio para poder llevar a un nivel más alto lo que hemos aprendido ya se combinando elementos en general de lo aprendido.

2.- DÍPTICO

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: no hay datos del lugar en el que se realizó solamente donde yacen actualmente en este caso Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es una pieza de arte dividida en varias partes en términos de historia del arte se lo conoce como políptico, esos polípticos están distribuidos de la siguiente manera: un panel central alado de este se disponen los paneles laterales o alas, en el díptico elaborado por Van Eyck está conformado por la escena de la crucifixión lo realza aumentado la precepción de la profundidad, a los pies de la cruz se encuentran una gran cantidad de personas representadas estas personas son soldados romanos y dignatarios ubicados a una distancia considerable de la escena de la crucifixión,, contraponiéndose se puede apreciar a la virgen María arrodillada en primer plano, en la escena del juicio final se aprecia una disposición de tres planos con figuras realzadas en magnitud de tamaño ley de jerarquía en el cual se puede ver a un Cristo rodeado por ángeles portando objetos celestiales, también hay personas como María y San Juan distribuidos a los lados en unas franjas, este estilo es medieval. También se puede apreciar el carácter de divinidad en la imagen de Cristo y los ángeles denótanosles como los seres superiores y de mayor rango de importancia en la pintura.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): es claro que quiere darnos un mensaje religioso de la muerte de cristo y el juicio final utilizando sus técnicas d oleo distribución y proporción de figuras la forma en la que fue crucificado Cristo y las personas que se creen que estuvieron ahí, en el juicio la manera en la que la personas malas que no escuchan la palabra de dios terminaran ardiendo en un ciclo infinito de dolor y tortura, entre muchedumbres de gente así como también el cielo y los ángeles junto a Cristo como recompensa por haber llevado una buena vida.

Análisis crítico personal: las imágenes y sus uso influyeron mucho en la catequización de las personas, todo lo que creemos hasta la actualidad han sido costumbres que han sido introducidas de manera lenta y sistematizado para llevarnos a creer que existe algo supremo, se valieron de los donde de personas muy talentosas para que con su arte hagan sentir miedo y respeto hacia las creencias que nos impusieron.

3.- EL MATRIMONIO ARNOLFINI

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: actualmente yace en la galería nacional de Londres

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la manera en la que están elaboradas es representar elementos que conforman el cuerpo humano como el busto y la cara vistos tres cuartos y que se fijan en el espectador. Busca la manera de representar los espacios de la mejor manera posible para esto debía superar la bidimensionaldad, también el aspecto psicológico ya que en la pintura se puede observar a una mujer embarazada lo que se sabe es que puedo haber muerto embarazada antes o después de dar a luz.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la obra nos muestra como es una boda entre un rico negociante y la chica que sería su mujer.

Análisis crítico personal: es interesante como las personas con mucho dieron podían dejar plasmadas las acciones más importantes de la vida por medio del arte de personas, ya sea en escultura o pintura la forma en la que captan escenas y abstraerlas los principales elementos para plasmarlos sobre el lienzo es algo sin duda espectacular y digno de un trabajo de un genio.

ROGIER VAN DER WEYDEN

Reseña bibliográfica: Tournai, actual Bélgica, hacia Bruselas, 1464. Pintor flamenco primitivo. Fue uno de los pintores flamencos más conocidos a nivel internacional, ingresó en el taller de Robert Campin, establecido en 1406 en Tournai donde en 1410 adquirió la ciudadanía. Van der Weyden poseía un estilo expresivo, lineal y naturalista que había aprendido de su maestro. Fue hijo de un cuchillero. En 1427 contrajo matrimonio con Elisabeth Goffaert con quien tuvo al menos cuatro hijos, fue nombrado pintor de la ciudad de Bruselas por lo que fue creciendo en sector económico y por ende de clase social se volvió un hombre rico y culto. Una de las primeras obras más conocida es el Descendimiento, además de unos retablos sobre la Justicia para el Ayuntamiento de Bruselas hasta la fecha perdidos, se le deben innumerables obras de temática religiosa retratos. Heredo el taller al tercero de sus hijos llamado Pieter no existen obras que se le puedan atribuir, los demás hijos uno de ellos muerto habían ingresado a la universidad pero siguieron carreras no relacionadas con la de su padre.

1.- LA MAGDALENA LEYENDO

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Se encuentra actualmente en la galería nacional de Londres, Reino Unido

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es una mujer pintada al óleo de tonalidad pálida ojos y parpados ovalados esto es una característica común en mujeres de la nobleza, está pintada sobre una tabla de roble. Está pintada con una gruesa capa de pintura de color marrón, la figura muestra a magdalena en el lado derecho del recuadro, hay otros pedazos del recuadro que coinciden con este a los pies de ella esta San Juan debido a que fue separado en varias partes simplemente se encuentra ella postrada leyendo (Wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): tiene dos significados pero en si se podría resumir en uno solo y este es de carácter religioso debido a que la pieza estaba compuesta de más piezas y en ella había personas de índole religioso se cree que trata de decirnos que esa obra pertenece a una conversación religiosa, pero también al ver a Magdalena leyendo en una actitud fría postrada con sus ojos evitando la mirada con una lagrima totalmente absorbida por la lectura.

Análisis crítico personal: que esta obra al ser divida en varias partes se le pueden dar dos significados ya sea solo analizando al elemento principal que es magdalena o los elementos que están a su alrededor, sin embargo el cuadro no deja de perder su brillo y lógicamente se nota porque escogió el óleo por su naturalidad y brillo además que compacto todos los colores.

2.- DESCENDIMIENTO:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente yace en el Museo del Prado, Madrid, España.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): cristo yace bajo la cruz esto da simetría, también se denota el dolor de su muerte y el drama que sienten las personas más allegadas a él. Mediante el uso de líneas diagonales se representa la quietud no usa líneas verticales para representar este elemento. Se puede ver la estructura que conforma San Juan Y Magdalena formando como un paréntesis. Las figuras muestran que hay una relación entre si y que Cristo une todo. Un cuidado tratamiento de los paños, la precisión del dibujo y el volumen que le da son otros de los elementos que se analizaron para determinar la elaboración del cuadro.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): el lado humano de Cristo que a pesar de ser hijo de Dios padre como humano la muerte le llego y el dolor de sus seres queridos por haber trascendido de esta manera siendo crucificado.

Análisis crítico personal: este cuadro nos muestra el lado humano que tuvo Cristo, las representaciones están bien elaboradas, distribuidas y la utilización de franjas diagonales para dar quietud al cuadro. Fusionando todos estos elementos y técnica se obtuvieron buenos resultados al momento de pintarlo, este cuadro encierra muchas historias y es una suerte que no haya desaparecido y que actualmente se encuentre protegido y en museo.

3.- LA EXHUMACIÓN DE SAN HUBERT:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: actualmente se encuentra en la galería Nacional de Londres.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la escena muestra la exhumación de los restos de San Hubert, de igual forma utiliza la división de cuadros colocando a san Hubert en el centro y a su alrededor el obispo Walcaud de Liega, que aparece con un incensario junto al cuerpo. La ambientación de estilo gótico que lleva la iglesia en donde se realiza la exhumación, el tipo de ropa que pinta con detalle corresponde a personas de la época y de acorde a la moda que llevaban en el siglo XV. También se aprecia la naturalidad de los colores, se aprecia a dos mujeres jóvenes a los lados que lloran.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): el proceso que debe pasar cuando el cuerpo es exhumado, las autoridades religió que se congregan para realizarla y el dolor que sienten las personas al ver como sucede todo esto.

Análisis crítico personal: como distribuye las personas y las une colocando al santo Hubert en el centro, como pinta a dos mujeres jóvenes tristes, la manera en que los ambienta dentro de una iglesia de carácter gótico.

JEREONIMO VAN AEKEN

Reseña bibliográfica:

Jeroen van Aken nació probablemente alrededor de 1450, 2 de octubre, en la ciudad flamenca de 's-Hertogenbosch, aunque estos datos no están corroborados simplemente se especula. Su familia era de pintores con 3 generaciones pasadas de la misma forma. El apellido Aken significa en el dialecto alemán una cuidad Aquisgrán ya que el apellido se daba debido al lugar de origen en el que la familia se había formado. Aprendió en el taller familiar a dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sagrados y también trabajando para la catedral de la ciudad. Muerto su padre los dos hermanos continuaron con el negocio bastante conocido fue siendo conocido como Jerónimo el pintor.

Entre 1500 y 1504 no hay documentos referentes al Bosco. Es probable que en estos años el artista hiciera un viaje a Italia y permaneciera en Venecia, pues en esta ciudad existen diversas obras suyas en colecciones privadas datadas de los primeros decenios del siglo XVI. Por otro lado, a partir de estos años, el estilo del Bosco cambia, hacia un estilo más renacentista con figuras monumentales situadas en espléndidos paisajes (Wikipedia, Wikipedia , 2015).

1.- LA NAVE DE LOS LOCOS

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre, París, Francia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): tiene estilo gótico sus dimensiones son de 58 cm x 33cm uso la técnica de óleo sobre tabla, hay elementos como el bufón, los borrachos, novicio goliardo, una monja tocando un instrumento, un árbol que simula ser el mástil de un barco.

Los principales personajes de esta pintura son el fraile y la monja que se encuentran en una actitud distraída intentando comer lo que cuelga de un hilo pero que no se dan cuenta de que un ladrón les pero no se dan cuenta que es un ladrón que quiere robarles la comida. En el cuadro también se puede ver que estos dos personajes tienen instrumentos y que parece que están cantando dentro de un arca. Esta obra pertenecía a un tríptico que fue separado e partes.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): cada persona dice cosas por ejemplo los dos religiosos que intentan comer y están con instrumentos le dan un significado sexual. El mástil simboliza la herejía, la gente que está sumergida representa la lujuria y la gula dos de los pecados capitales, el embudo invertido en la parte inferior izquierda simbolizaría la locura (wikipedia, wikipedia, 2014).

Análisis crítico personal: a pesar de ser personas que representan lo religiosos a la vez representan cosas bajas y de atribución sexual. Es interesante como usa esta simbología para dar a conocer las bajas pasiones que tenemos como humanos.

2.- LA CRUCIFIXIÓN DE SANTA JULIA

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Palacio Ducal de Venecia Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está el cuadro distribuido de la siguiente forma como sabemos el cuadro se dividió en varios cuadros distribuyendo los elementos más importantes y los personajes secundario, en este caso del cuadro en el centro se encuentra la crucifixión de la santa Julia representando a Cristo, la mujer se encuentra en una posición alta mirando a su al redor una muchedumbre de gente entre ellos un hombre desmayado. Ala derecha se encuentra un puerto con barcos hundidos y a la izquierda la ciudad ocupada por demonios. El cuadro es de estilo gótico con técnica de óleo sus dimensiones son de 104cm x 109 cm (wikipedia, wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): esta obra trata de decirnos como una persona asume el rol del hijo de dios y la destrucción a lo que esto conllevo.

Análisis crítico personal: las escenas están distribuidas a los lados resaltando como lo principal la crucifixión de la santa, la forma en la que una persona acepta morir como lo hizo el hijo de dios para poder dar la imagen de santidad y mártir, los colores que denotan son pálidos y tristes lo que describe la escena del momento sin embargo el óleo denota brillo.

3.- LA CORONACIÓN DE ESPINAS

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: actualmente se encuentra en la galería nacional de Londres.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): estilo gótico, sus dimensiones son de 73cm x 59cm. En el cuadro se representan los episodios de la pasión de cristo, utiliza la influencia italiana en la pintura, el trazado de la figura es en ángulos y no ondulado, las figuras volumétricas. Las proporciones de las personas representadas es decir de medio busto tres cuartos, la vista de Cristo está dirigida hacia el espectador. Los verdugos que están distribuidos alrededor de Cristo uno de ellos colocándole la corona de espinas en el sentido que se puede observar parce una aureola todos expresando diferentes emociones como odio, repudio y condolencia. Este cuadro presenta mucha variedad de colores como el verde, rojo y azul en las vestimentas de los torturadores y de Cristo un tono blanco que da un significado de su inocencia.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la forma en la que sus verdugos son representados inclusive uno de ellos tiene un collar de perro a esto se le puede atribuir que era alguien que simplemente cumplía ordenes, otros expresan melancolía y Cristo que lleva atuendo blanco en señal de no había sido culpable de profesar lo que él pensaba. Son 4 verdugos en total (wikipedia, wikipedia, 2014).

Análisis crítico personal: las personas que torturan a Cristo están en casi la misma proporción no hay jerarquías me da a pensar de que el artista bajo al mismo nivel ósea de dios a humano en la condición ala que se estaba enfrentado en este caso la tortura y su ejecución.

PETER BRUGHEL

Reseña bibliográfica: Nace en Bruselas, 1569 fue un pintor holandés, hasta la actualidad es considerado una de las grandes figuras de la historia de la pintura. Realizó sobre todo cuadros de paisaje, de género y de escenas campesinas, en los que con un estilo inspirado en el Bosco reflejó la vida cotidiana con realismo, abundancia de detalles y un gran talento narrativo.

Pieter Brueghel aprendió el oficio con Pieter Coeke. En 1551 se incorporó al gremio de pintores de Amberes e inmediatamente después emprendió un viaje por Europa, que lo llevó a Francia, Italia y Suiza. Lo que más le impresionó de su periplo fueron los paisajes de los Alpes, de los que realizó a su vuelta una serie de dibujos que fueron grabados (Anónimo, 2004).

1.- CAZADORES EN LA NIEVE

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: esta obra se encuentra actualmente en el museo de arte de Viena.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): el estilo es de renacimiento la técnica que utiliza es oleo en madera, sus dimensiones son 1,17m x 1,62m es una pintura grande. Se observa u terreno tosco y a su alrededor grupos de cazadores y animales, utiliza sombras chinescas para los árboles. Se trazó una diagonal esta diagonal es el camino que siguen los cazadores para ir a la ciudad (wikipedia, wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa el invierno y las actividades que se realizan en esa estación como o la cacería. También representa uno de los grandes logros que vendría con la pintura en el género barroco.

Análisis crítico personal: es una obra interesante y de proporciones un poco más grandes a las anteriores del estilo gótico se ve un cambio notable en el estilo del renacimiento y el gótico. Se representa el clima y ya no la religión.

2.- EL BANQUETE DE BODAS

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en el Museo de Historia del Arte, Viena Austria.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la técnica que utilizo es óleo sobre madera con estilo de renacimiento sus dimensiones son de 114 cm × 164 cm. Se puede observar que se traza una diagonal para dar una perspectiva a la mesa y a las personas que están alrededor de esta los elementos que conforman este cuadro son La novia está debajo de un dosel y el novio que podría ser el hombre vestido de negro es la figura más grande y un niño pequeño en el primer plano lame un plato (Wikipedia, Wikipedia , 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la vida dura que lleva el campo y las fiestas que se realizan en este entorno.

Análisis crítico personal: que ya se representan cosas diferentes a las religiosas y se adentran a un entorno del diario vivir en este caso la vida del campo y la forma en la que realizan las fiestas.

3.- LOS PROVERBIOS FLAMENCOS

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Gemäldegalerie de Berlín, Berlín Alemania.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): uso técnica de óleo sobre madera con estilo de renacimiento, sus dimensiones son de 17cm x 163 cm. Se han identificado más de cien proverbios, en el cuadro se puede ver que usa colores más claros, rompe con lo religioso, distribuye en cada división del cuadro diferentes escenas.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): como son más de 100 proverbios hay muchos significados de los cuales voy a mencionar 5 pero en si la obra trata de decirnos cosas abstractas del diario vivir de las personas, se puede analizar cada escena con algo relacionado con nuestro vivir.

a) se ve a una mujer con un pie calzado y otro descalzo esto significa el equilibrio en la vida.

b) se puede ver a un cerdo tirando del tapón de un barril que cuando hacemos las cosas mal pues mal nos va a ir.

c) un hombre de vestimenta caballeresca tratando de ponerle un cascabel a un gato esto significa que se puede hacer algo difícil y o peligroso en la vida.

d) un hombre tratando de ponerse la tapa en la cabeza nos dice que las cosas no salen a veces como las planeamos.

Análisis crítico personal: rompe con todo y en cada figura u obra que el realiza nos trata de decir lo que él piensa sobre la vida, se inspira de elementos totalmente nuevos para la época y además de que perfecciono su técnica en óleo, claro que existieron representaciones más antiguas de la naturaleza o de las cosas del diario vivir pero la pintura que utiliza sus mezclas su proporción de cuerpos humanos rompe y hace de este su estilo.

CIMABUE

Reseña bibliográfica: Nació en Florencia y murió en Pisa.Su carrera fue descrita por Giorgio Vasari en sus Vidas de los más famosos pintores, escultores y arquitectos (llamada, en italiano, Le Vite), ampliamente considerada como el primer libro de la Historia del arte, aunque fue terminado más de doscientos años después de la muerte de Cimabue. Aunque es uno de los primeros documentos que se tienen sobre él, su exactitud es insegura. Según Hugh Honour y John Fleming: «Su nombre es, de hecho, poco más que una etiqueta adecuada para un grupo estrechamente emparentado de pinturas murales y sobre tabla» (wikipedia, wikipedia , 2015).

En sus obras, se aprecia un rígido estatismo. En el año 1272 Cimabue viajó a Roma donde tomó contacto con el mundo clásico, paleocristiano y románico. Además, conoció a Pietro Cavallini. Todo ello influyó en él para liberarlo de los cánones y maneras bizantinas.

1.- EL CRUCIFIJO DE AREZZO

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Se encuentra en la iglesia de Santo Domingo de Arezzo.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): Usa figuras voluminosas de tradición bizantina, el uso de sombras y proporciones lo más parecidas a lo real. En la que está pintado al temple sobre una tabla representa Cristo sobre una cruz latina, se pude ver la influencia bizantina que tuvo sobre la pintura. Se puede ver a Cristo con la cabeza ladeada hacia un lado también se nota la musculatura, en especial el abdomen, aplica el concepto de la miniatura clásica dividiéndolo en tres partes. También se puede observar la técnica de damasquinado bordado con filos de oro aparte de la túnica roja que lo cubre (Anónimo, LA GUÍA, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representar la crucifixión y muerte Jesucristo con caracteres bizantinos.

Análisis crítico personal: la manera estilizada del cuerpo de Cristo totalmente voluminoso totalmente diferente al Cristo que realmente debería ser un Cristo con rasgos indus aunque realmente no se sabe la contextura física que pudo llegar a tener.

2.- EL CRUCIFIJO DE SANTA CROCE

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en el Museo de Santa Croce, Florencia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es un crucifijo con 3,90 maestros de largo por 4, 33 de ancho, utiliza detalles del naturalismo juega con la luz y la oscuridad dándole una tonalidad diferente en las proporciones del cuerpo lo hace con un volumen realista. Una vez más resalta el abdomen con colores que lo hacen girar hacia la luz, una representación mórbida transparente. Los colores de la cabeza y de los codos juegan de igual forma con la trasparencia y la tonalidad clara oscura (wikipedia, wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa la crucifixión de Cristo y la manera en que resalta con luz como si su muerte fuera algo totalmente divino.

Análisis crítico personal: que a pesar de haber sufrido mucho daño por las inundaciones ha habido mucho interés e inversión para no dejarlo destruirse ya que tiene muchos valores aplicados por el artista.

3.- LA MAESTÀ DEL LOUVRE

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra hoy en el Museo del Louvre, París.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): representación naturalista es decir que no mostraba nada de sentimientos. Los ángeles están distribuidos de forma armoniosa en torno a la divinidad según esquemas precisos de ritmo y simetría. Crea un volumen realista en torno a la virgen mediante el sui de paños que se mueven alrededor de la figura. Emplea la perspectiva lineal convincente con un punto de fuga central y marca un paso significativo en la representación florentina del espacio pictórico realista.

Este retablo tuvo un eco inmediato, recogido por ejemplo hacia el año 1285 por el sienés Duccio di Buoninsegna, en su aristocrática Madonna Rucellai obra que durante mucho tiempo se atribuyó erróneamente al propio Cimabue , entonces en la iglesia de Santa Maria Novella y hoy en los Uffizi. (Wikipedia, Wikipedia, 2015)

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la representación de la virgen y el niño dios pero sin sentimientos, de manera fría la diferencia es el uso estético de las proporciones además que juega con las tonalidades claras y oscuras.

Análisis crítico personal: como en esta figura uso punto de fuga y la distribución que pereciera o se acerque a lo más natural posible al igual que el uso de medios como la divinidad pera las representaciones de cuerpos en especial las dimensiones entrono al volumen.

DUCCIO

Reseña bibliográfica: Pintor italiano. Durante los siglos XIII y XIV, Siena rivalizó con Florencia por ser el centro principal y más dinámico del arte italiano. Y del mismo modo que Giotto revolucionó por esas fechas el arte florentino, Duccio introdujo aires nuevos en el arte sienés, del que fue la figura más sobresaliente. De su vida sólo se sabe que fue multado en varias ocasiones por delitos menores. Su creación artística no está mejor documentada que su trayectoria vital, pero consta con certeza su autoría de una obra capital, que define sus cualidades plásticas y su estilo: Maestà, encargada para la catedral de Siena en 1308 e instalada con gran fasto en su lugar de destino en 1311 (Anónimo, BIOGRAFIAS Y VIDAS, 2004).

1.- MADONNA DE CREVOLE

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente yace en el Museo de la Opera del Duomo, Siena.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): se puede ver la gran influencia de la plástica francesa con detalles estilizados y delicados en los ángeles, esta obra esta echa con temperas y al óleo, sus dimensiones son de 80 cm x60cm. Se muestra a una virgen con la cabeza inclinada hacia tres cuartos y un bebe que se encuentra con su brazo derecho estirado ambos se miran con ternura. Son imágenes más humanizadas y delicadas, utilizo matices claros oscuros y también efectos de transparencia para la vestimenta de la virgen y del niño. Las figuras están hechas con un efecto de redondez a su alrededor (Wikipedia, Wikipedia, 2014).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la representación afectuosa de madre e hijo con gestos de ternura es decir mostrando sentimientos.

Análisis crítico personal: la forma que utilizo los contrastes y la transparencia nota que son legados de su maestro Cimabue. Muchas de las vírgenes que ha elaborado tienen casi el mismo parecido.

2.- TRÍPTICO DE LONDRES

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en la galería nacional en Londres.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): sus dimensiones son de 61,5cm x 78 cm de estilo Gótico Italiano pintado con Témpera sobre madera. Sobre la arquivolta del arco de medio punto que cobija a la Virgen, tratamiento de los colores y las líneas sinuosas y doradas como el brazo arqueado de la Virgen donde reposa el Niño de pequeño tamaño. (Anónimo, Arte y cultura en español, 2011)

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la distribución jerárquica de las figura el afecto maternal hacia su hijo y también que a pesar de que Cristo es una divinidad muestra su interés por la travesura como bebe intentado quitarle el paño blanco a su madre.

Análisis crítico personal: nos indica una nueva revelación pictórica que más tarde Giotto la cumplirá.

3.- LA CURACIÓN DEL CIEGO:

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: actualmente yace en la galería Nacional de Londres.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): este cuadro es de estilo gótico italiano, con una dimensión de 43cm x 45cm la técnica que utilizo es la de tempera sobre madera. La escena aparece dividida en dos espacios, a la izquierda los seguidores de Cristo, a la derecha el ciego reaccionando tras haber conseguido ver por primera vez. La escena central muestra a Cristo poniendo sus manos sobre los ojos del ciego. De nuevo Duccio pone dos escenas en una. Los fondos arquitectónicos tratan de dar una infantil ambientación y una poco lograda perspectiva (Anónimo, Arte y Cultura, 2012).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la forma en la que Cristo realizaba los milagros pero pintándolos en este caso el milagro en el que devuelve la visón a una persona no vidente además de los poderes que se dice en la biblia que posea Cristo.

Análisis crítico personal: esta vez se representan los milagros de cristo de una manera más estilizada inclusive con mas suntuarias en algunas obras de Duccio se usa el pan de oro para dar mayor representación de lo trascendental.

SIMONE MARTINI

Reseña bibliográfica:

Se desconoce el lugar y la fecha de su nacimiento, aunque es probable que viera la luz en Siena hacia el año 1285. Se cree que Martini fue un alumno de Giotto di Bondone, el pintor florentino más destacado de su época. Su cuñado fue el artista Lippo Memmi. Sobrevive muy poca documentación en relación con su época, y muchas atribuciones son debatidas por los historiadores del arte. Nada se sabe de su adolescencia, ni de quiénes fueron sus maestros, aunque sin duda fue aprendiz desde muy temprana edad, como sería la práctica normal.

Su vida, pues, permanece en la más absoluta oscuridad hasta que en 1315 recibe el encargo de pintar al fresco una Maestà para el Palazzo Público de Siena o ayuntamiento de Siena. Dicho encargo permite suponer que en aquella fecha Martini gozaba ya de un gran prestigio, comparable al de Duccio di Buoninsegna cuya Maestà había sido objeto de un recibimiento entusiasta tan solo unos pocos años antes (1311). En su ciudad natal, pues, Simone Martini tuvo varios encargos. Una copia de su Maestà, ejecutada poco después por Lippo Memmi en San Gimignano, testimonia la perdurable influencia que los prototipos de Simone tendrían en otros artistas a lo largo del siglo XIV. Perpetuando la tradición sienesa, el estilo de Simone contrastaba con la sobriedad y la monumentalidad del arte florentino, y destaca por sus rasgos decorativos, suaves, estilizados, la sinuosidad de la línea y una elegancia cortesana no sobrepasada. El arte de Simone debe mucho a la iluminación de manuscritos francesa y la talla del marfil: ejemplos de semejante arte eran llevados a Siena en el siglo XIV a través de la Vía Francígena, una ruta principal de comercio y peregrinación desde el Norte de Europa a Roma (wikipedia, wikipedia, 2014).

1.- RETABLO DE LA ANUNCIACIÓN

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en la Galería Uffizzi, Florencia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): Este cuadro está realizado con la técnica de temple en madera posee mayor realismo en las vestimentas, este cuadro es de estilo gótico, el uso de las líneas onduladas que es característica de este estilo, el volumen, la gravedad humana, colores y formas macizas, un fondo color oro, todos estos elementos dan mayor espiritualidad en la obra, también hacen las figuras humanas de forma alargada clara señal de espiritualidad. Utiliza arcos ojivales poli lobulados para los extremos, muy característicos del gótico. Es uso de una amplia gama de colores y cromados.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa el momento en el que el arcángel Gabriel anunciando a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios.

Análisis crítico personal: se puede ver el uso de los colores dorados que representa lo divino, a la vez que estos colores también representaban la ciudad de Siena. La influencia greco romana que tuvo como inspiración para elaborar este cuadro.

2.- MADONNA DE LA MISERICORDIA

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: actualmente se encuentra en la iglesia de San Bartolomeo Vertine.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): estilo gótico, usaron la técnica de óleo sobre madera. Se ve a la virgen María en el centro cubriendo muchas figuras como apóstoles, frailes, curas sobre un fondo dorado como dijimos esto es divinidad al igual que la forma alargada de su cuerpo ojos grandes, su mirada se centra en el espectador pero la mirada de los que están bajo su manto se dirigen hacia ella como señal de sumo respeto a lo trascendental (Anónimo, PINTURA ITALIANA DEL TRECCENTO, 2010).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): el espíritu protector de madre sobre sus hijos en este caso maría protegiendo a muchas personas que arecen importantes en la época.

Análisis crítico personal: la proporción y la simetría en la que están distribuidas las figuras bajo el manto parece que hubiera utilizado la técnica de perspectiva y haya trazado diagonales pera poder distribuirlas bien.

3.- MAESTÀ DEL AYUNTAMIENTO DE SIENA

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: esta obra se halla en Sala del Mapamundi, Palazzo Público de Siena.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): pintado al fresco con la técnica de óleo, sus dimensiones son 370cmx450cm, se dividió en varios cuadros sobre un fondo dorado cada escena expresado con gran naturalidad y luminosidad. Utiliza líneas horizontales y simétricas y paralelas. Cada personaje está constituido por una línea dorada lo que es destacable en este cuadro, también el uso de paisajes y de la perspectiva arquitectónica, la disposición del espacio en el cuadro también es importante (Anónimo, SLIDSHARE, 2009).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): relatos del evangelio la pasión y muerte de cristo dividido en varias escenas.

Análisis crítico personal: el trecento es el periodo en el tiempo en el cual resaltan grandes artistas como Simonne Marti o Gioto grandes exponentes de la pintura es prácticamente la dimensión de un mural saber aglutinar los colores y la distribución de las figuras debe ser un trabajo muy arduo y de presión.

GIOTTO

Reseña bibliográfica:

Nació en Colle di Vespignano, cerca de Florencia se cree que en 1267.

Se cuenta que a los doce años su padre lo hizo pastor y que se entretenía dibujando sobre la arena o en las piedras lo que veía. Todo su trabajo es de temática religiosa. Está considerado como fundador de la pintura moderna al romper con la tradición Ítalo bizantina. Sus obras se caracterizan por la evidente observación de la naturaleza.

Una de sus primeras obras destacadas es el conjunto de frescos sobre la Virgen y Cristo en la capilla de la Arena, de Padua, acabado posiblemente en 1305 o 1306. Se cree que la Virgen y el niño entronizados (c. 1310, Uffizi, Florencia) pertenece al mismo periodo que los frescos de Arena y es la única tabla atribuible a Giotto. Hacia el final del siglo XIII, Giotto ya ha realizado en Asís la decoración de la iglesia de San Francisco, y en Roma la de la Basílica de San Juan de Letrán, hoy perdida. Con sus treinta años, en ese momento es un maestro reconocido, su taller es muy concurrido y ha alcanzado cierta prosperidad económica. Es el primero de los pintores toscanos llamados a trabajar en la Italia del Norte. Pinta así entre 1304 y 1306 en Padua los frescos de la capilla privada de los Scrovegni llamada de la Arena y otros perdidos, Falleció el 8 de enero de 1337, antes de poder ver terminadas las obras del campanile. Fue enterrado en Santa Reparata, con grandes honores (Anónimo, Biografías, 2012).

1.- EL BESO DE JUDAS

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra en la Capilla de los Scrovegni.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es un cuadro representado de manera natural con una dimensión de 200 x 185cm, es un freso elaborado mediante la técnica del óleo. La forma en la que manipula la naturaleza y sus espacios, también se puede evidenciar a uno de los discípulos de Jesús hiriendo a un soldado romano en la oreja con una daga. La claridad espacial que da todo en proporción.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): el discípulo que beso a cristofué capaz de traicionarlo y el beso hipócrita que recibió a cambio de este personaje.

Análisis crítico personal: si bien Giotto no tenía muchos conocimientos sobre la proporción humana la perspectiva tiene el suficiente talento como para poder representar un ambiente natural manejar su espacio y distribuir escenas religiosas a su antojo.

2.- LA VIDA DE SAN FRANCISCO

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se llevó acabo en la iglesia superior de San Francisco de Asís.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado mediante el fresco, se puede observar la técnica de trazado horizontal y diagonal además de la transparencia en las vestiduras de los personajes. Se lleva la pintura en manera de narración. La manera en la que maneja el espacio, la naturaleza de las imágenes al igual que el asentamiento de cada escena en diferentes formas (Anónimo, Historia del arte , 2014).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa una parte de la historia en la que san francisco entrega a un pobre una costosa capa dorada

Análisis crítico personal: el trabajo en esta obra es muy amplio ya que se puede ver las diferentes facetas de san francisco plasmadas en pinturas.

3.- LA SANTA CROCE DE FLORENCIA

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: esta obra se encuentra en capilla de Florencia, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): frescos sobre murales, figuras alargadas ojos alargados señal de santidad, algunos son pintados sobre fondos dorados el manejo volumétrico de las personas, el manejo del espacio para poderlos distribuir entorno a las diferentes franjas que dividían las escenas.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa escenas de la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista.

Análisis crítico personal: Giotto se inspiraba mucho en las cosas de la naturaleza y las trataba de reproducir exactamente igual esto fue lo que le dio si toque y sello personal. Las representaciones más en el plano humano que divino así como también en forma de narración estos detalles son eso los que definen una obra de estilo gótico.

CONTRUCCIÓN DEL TAJ MAHAL

Todo empezó con una historia de amor en la que un gobernador mongol decido contraer matrimonio con una doncella de sangre real. Cuando murió esta doncella el decidió construir esta impresionante obra en honor a ella, su construcción inicio a partir del año 1631 año en el que murió la doncella y termino 22 años después de su muerte.

El taj mahal es conocido por sus jardines amplios que se puede acceder por el lado sur hasta llegar a un patio de piedra roja, estos jardines son la representación del paraíso musulmán el jardín tiene una pileta central en la religión musulmana se dice que cuatro ríos de los que emanaran vida en las cuatro direcciones estas son miel, leche, vino y agua, según Mahoma así será el paraíso además de que el lago central esta echo de mármol como señal de abundancia.

Para poderla construir se utilizaron andamios hechos de ladrillos y para poder pasar los materiales se construyó una rampa de 15km donde los animales como bueyes y elefantes traían cargados sobre sus lomos todo el material. Solo la construcción del mausoleo tomo 12 años eso significa que si eran 22 años de construcción les llevaría media década terminar con el resto.

La cúpula principal fue obra de Ismail Khan arquitecto del Imperio Otomano especializado en esta clase de estructuras y el oro que remata la cúpula fue forjado por Qazim Khan, artesano de Lahore (Anónimo, Arquitectura de construcción, 2008).

Los principales materiales que fueron usados para su construcción son el mármol y las piedras preciosas en si gemas como crisolitos, jade, zafiros, turquesas, amatistas, jaspe de punjab estas como principales ya que eran piedras traídas de todas la regiones del mundo en especial del medio oriente. La cúpula principal el más grande y voluptuoso situado sobre el salón central se levanta sobre un tambor rodeado de cuatro torres octogonales, cada una rematada por un pequeño pabellón copulado. La estructura interior tiene una altura de 24,4 m y sobre ella se dispone otra cúpula exterior muy peraltada que estiliza el perfil del edificio. El remate externo está constituido por una aguja de latón de 17,1 m de altura.

Ocho arcos apuntados a cada medio arco se le superponen un segundo a media altura en la pared. Los cuatro arcos centrales superiores forman balcones con miradores al exterior. Cada ventana de estos balcones lleva una intrincada pantalla de mármol calado, o jali.

Bibliografía

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jueves, 29 de octubre de 2015

Bibliografía

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